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文章作者:现代文学 上传时间:2019-11-12

注重与时代同步、与社会共振,善于从百姓生活中提取打动人心的故事与情感,以现实主义手法表现现实题材,这是沪剧始终葆有艺术活力的宝贵经验。

人民日报:在“接地气”中求新求变

时间:2018年07月31日来源:《人民日报海外版》作者:茅善玉

  注重与时代同步、与社会共振,善于从百姓生活中提取打动人心的故事与情感,以现实主义手法表现现实题材,这是沪剧始终葆有艺术活力的宝贵经验

  沪剧使用上海话表演,是地道上海本土戏剧,素来注重唱功,音乐清纯柔美,独具江南丝竹之韵致。和“百戏之祖”昆曲相比,沪剧还很年轻,但也有200多年历史,在这期间逐渐发展出不同风格的流派唱腔,红遍江南。由于语言的特殊性,沪剧在地方戏中属于小剧种。但这个“小”剧种影响力不小,其所以葆有艺术活力的经验对当代戏曲发展尤具启发意义,即注重与时代同步、与社会共振,善于从百姓生活中提取打动人心的故事与情感。

  上世纪60年代,沪剧为中国戏剧贡献两部戏:现代京剧《沙家浜》改编自沪剧《芦荡火种》,现代京剧《红灯记》改编自沪剧《红灯记》。与此同时,沪剧创作出以五卅工人运动为背景的《星星之火》,后来被改编成电影,也在社会上引起很大反响。这几部作品所以在当时产生巨大影响,离不开作品与时代之间的强烈共振。而这种以现实主义手法表现现实题材的特质,早在沪剧诞生之初就被前辈艺术家写入沪剧的基因中。上海从开埠以来就是城市化的,与商贸、金融紧密结合,沪剧诞生于斯,成长于斯,自然融汇了这个城市特有的文化气息,以及这方水土独有的生活态度——这就使沪剧在最初就具有浓厚的现实主义风格,沪剧前辈深具开拓精神,没有走传统戏曲“才子佳人”的老路,而选择观照当下。这正是沪剧独特魅力所在,也是我热爱沪剧的重要原因:你要在舞台上艺术地表现当下生活,除了学习前辈经验,还需要敏锐地观察生活、深入生活。

  沪剧的这种现实主义精神还表现在对其他文艺样式作品的改编上。已故沪剧表演艺术家丁是娥曾把话剧比喻为沪剧的奶娘,“话剧的现实主义乳汁哺育了沪剧成长”。当年许多西洋话剧漂洋过海来到中国后,第一站落脚点就是上海。话剧钦羡本地滩簧以本土唱腔吸引大量拥趸,而沪剧向往话剧的现代都市题材。面对戏剧家洪深从国外带回的西洋剧本,沪剧人将其改编得接地气,以便为上海老百姓接受。于是,莎士比亚名剧《罗密欧与朱丽叶》到了沪剧舞台就变成《铁汉娇娃》,故事背景从16世纪末的英国改为清朝,人物也进行了本土化改造,受到沪剧观众欢迎。上世纪50年代我国第一部《婚姻法》甫一颁布,赵树理小说《登记》就被改编成沪剧现代戏《罗汉钱》,无论是江南小调的运用,还是情节安排、人物设置,无不充满上海气质——赵树理笔下太行山的农村故事被改编为原汁原味的上海故事。沪剧著名选段《紫竹调·燕燕做媒》就出自这部剧。

  和其他地方戏相比,沪剧尤为擅长“小”题材:家庭伦理、家长里短,很接地气。但不是所有“小”题材都能入戏,也不能让沪剧止步于“小”题材,而是要不断拓展这个剧种的成长空间。于是,近些年我们注重选择有历史文化品格的题材,开拓戏路,如《邓世昌》《敦煌女儿》等,为沪剧赢得很多年轻观众。这些戏从题材选择、音乐设计到舞台美术、服装设计,都注重现代表达,让沪剧更好地与时代同步,与社会共振,传递正能量。其中,《敦煌女儿》讲的是上海人樊锦诗扎根敦煌几十年的真实故事。5年中,我数次到敦煌体验生活,与樊锦诗成为“忘年交”。这出戏采用时空穿梭的手法,实中有虚、虚中有实;叙事上试图突破传统先进人物表现手法,不仅表现樊锦诗,更力求体现“敦煌人”这一群像。由于题材特点,剧中不少台词都有一定专业性,为增强艺术感染力,我还借鉴了京剧、越剧等唱腔,以此丰富沪剧音乐形象。

  可以说,在“接地气”中求新求变,是沪剧艺术发展至今最为宝贵的经验。在这一过程中,沪剧发展面临的挑战也在随时代而变。比如,沪剧曾经面临严峻的生存危机,步履维艰。我临危受命,担任上海沪剧院院长,第一个戏是“众筹”的。而今,局面一点点打开,沪剧日渐繁盛,除上海沪剧院,上海还有其他几个院团也在进行沪剧演出。但我们不能放下忧患意识,虽然当下沪剧很红火,但伴随今天这一代沪剧观众老去,是否会有新一代沪剧观众成长起来?作为剧种语言的上海话、作为剧种沃土的上海地方文化特质,是否正在经受同质化冲击?这些年对地方文化特色的重视虽然有所提升,但亦不能盲目乐观。

  而今,围绕传统文化的传承与发展,社会共识度不断提升,我们对文化自信有了新的理解和追求。作为海派艺术瑰宝,沪剧不能躺在过去的功劳簿里。具有鲜明上海地域特色的沪剧,当继续以“接地气”的身姿和时代同步,以开放包容的姿态广采博纳,求新求变。

  (本报记者任飞帆采访整理)

  茅善玉,沪剧表演艺术家,1962年出生于上海。现任上海市戏剧家协会副主席、上海沪剧院院长,为全国宣传文化系统“四个一批”人才。曾获中国电视金鹰奖最佳女主角、中国戏剧“梅花奖”、两次白玉兰戏剧表演主角奖、中国戏曲现代戏突出贡献奖等。代表作品沪剧《红灯记》《雷雨》《罗汉钱》等。

一个剧院的海上风韵

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沪剧使用上海话表演,是地道上海本土戏剧,素来注重唱功,音乐清纯柔美,独具江南丝竹之韵致。和“百戏之祖”昆曲相比,沪剧还很年轻,但也有200多年历史,在这期间逐渐发展出不同风格的流派唱腔,红遍江南。由于语言的特殊性,沪剧在地方戏中属于小剧种。但这个“小”剧种影响力不小,其所以葆有艺术活力的经验对当代戏曲发展尤具启发意义,即注重与时代同步、与社会共振,善于从百姓生活中提取打动人心的故事与情感。

——记上海沪剧院现实主义创作实践

“敦煌慷慨留我,我誓言留住敦煌……”两个多小时,200多句唱词,一出戏,一个人,唱尽敦煌研究院荣誉院长樊锦诗先生50多年扎根甘肃大漠、穷其一生致力敦煌研究和文物保护的人生历程。

上世纪60年代,沪剧为中国戏剧贡献两部戏:现代京剧《沙家浜》改编自沪剧《芦荡火种》,现代京剧《红灯记》改编自沪剧《红灯记》。与此同时,沪剧创作出以五卅工人运动为背景的《星星之火》,后来被改编成电影,也在社会上引起很大反响。这几部作品所以在当时产生巨大影响,离不开作品与时代之间的强烈共振。而这种以现实主义手法表现现实题材的特质,早在沪剧诞生之初就被前辈艺术家写入沪剧的基因中。上海从开埠以来就是城市化的,与商贸、金融紧密结合,沪剧诞生于斯,成长于斯,自然融汇了这个城市特有的文化气息,以及这方水土独有的生活态度——这就使沪剧在最初就具有浓厚的现实主义风格,沪剧前辈深具开拓精神,没有走传统戏曲“才子佳人”的老路,而选择观照当下。这正是沪剧独特魅力所在,也是我热爱沪剧的重要原因:你要在舞台上艺术地表现当下生活,除了学习前辈经验,还需要敏锐地观察生活、深入生活。

  12月13日,首个南京大屠杀死难者国家公祭日。当晚,上海沪剧院新编沪剧《邓世昌》在上海天蟾逸夫舞台上演。全体观众起立,为南京大屠杀死难同胞默哀,向壮烈牺牲的民族英雄致敬。

这是我们上海沪剧院推出的原创沪剧《敦煌女儿》。从选定这个题材开始,我们用了整整8年的时间最终呈现出这部戏。站上舞台40多年来,我是真正体会到了十年磨一戏的煎熬。一遍遍深入西北采风、交流,一次次推翻、一次次调整,整个创作团队用了太多的心力来创作这部作品,但凡少一点信念,都做不下去。

沪剧的这种现实主义精神还表现在对其他文艺样式作品的改编上。已故沪剧表演艺术家丁是娥曾把话剧比喻为沪剧的奶娘,“话剧的现实主义乳汁哺育了沪剧成长”。当年许多西洋话剧漂洋过海来到中国后,第一站落脚点就是上海。话剧钦羡本地滩簧以本土唱腔吸引大量拥趸,而沪剧向往话剧的现代都市题材。面对戏剧家洪深从国外带回的西洋剧本,沪剧人将其改编得接地气,以便为上海老百姓接受。于是,莎士比亚名剧《罗密欧与朱丽叶》到了沪剧舞台就变成《铁汉娇娃》,故事背景从16世纪末的英国改为清朝,人物也进行了本土化改造,受到沪剧观众欢迎。上世纪50年代我国第一部《婚姻法》甫一颁布,赵树理小说《登记》就被改编成沪剧现代戏《罗汉钱》,无论是江南小调的运用,还是情节安排、人物设置,无不充满上海气质——赵树理笔下太行山的农村故事被改编为原汁原味的上海故事。沪剧著名选段《紫竹调·燕燕做媒》就出自这部剧。

  发生在1894年的甲午战争,牵动着国人的无限殇思。120年前,北洋舰队致远舰管带邓世昌45岁。在那场大海战中,他指挥着受创弹尽的致远舰冲向了日军的吉野号,最终壮烈牺牲,长眠海底。又逢甲午,历史回放——以沪剧的形式。

为什么要紧紧抓住这个题材不放?因为沪剧的基因就是专注当下、关注当下的社会生活。沪剧素以现代戏题材见长,我们这个剧种,就是要走进我们生活的这片沃土去寻找创作素材和灵感,为时代画像,为人民而创造,书写这个火热的年代,这是沪剧的优良传统。从《罗汉钱》到《星星之火》《芦荡火种》《红灯记》《今日梦圆》《雷雨》《邓世昌》,沪剧那一大批影响深远的代表剧目,无不如是。

和其他地方戏相比,沪剧尤为擅长“小”题材:家庭伦理、家长里短,很接地气。但不是所有“小”题材都能入戏,也不能让沪剧止步于“小”题材,而是要不断拓展这个剧种的成长空间。于是,近些年我们注重选择有历史文化品格的题材,开拓戏路,如《邓世昌》《敦煌女儿》等,为沪剧赢得很多年轻观众。这些戏从题材选择、音乐设计到舞台美术、服装设计,都注重现代表达,让沪剧更好地与时代同步,与社会共振,传递正能量。其中,《敦煌女儿》讲的是上海人樊锦诗扎根敦煌几十年的真实故事。5年中,我数次到敦煌体验生活,与樊锦诗成为“忘年交”。这出戏采用时空穿梭的手法,实中有虚、虚中有实;叙事上试图突破传统先进人物表现手法,不仅表现樊锦诗,更力求体现“敦煌人”这一群像。由于题材特点,剧中不少台词都有一定专业性,为增强艺术感染力,我还借鉴了京剧、越剧等唱腔,以此丰富沪剧音乐形象。

  12月11日至13日,3场新编沪剧《邓世昌》演出,场场爆满,掌声雷动。舞台上,在致远舰即将撞沉的那一刻,许多观众紧攥着拳头站了起来,热泪盈眶。一位6岁的小朋友揪心地追问:“为什么不开炮?为什么没有炮弹了?”场面热烈感人。

记得最开始见到樊院长是在两会上,我俩都是全国政协委员。听到我们要做这部沪剧,她说,敦煌不是某一个人的努力,而是凝结了几代人的奋斗和奉献。她也替我们犯难:“敦煌怎么来演?我们每天不是在图书馆研究,就是在办公桌上写作,要不就是进洞,我是一点都想不出。”我说,我们要表现的正是敦煌人的精神。

可以说,在“接地气”中求新求变,是沪剧艺术发展至今最为宝贵的经验。在这一过程中,沪剧发展面临的挑战也在随时代而变。比如,沪剧曾经面临严峻的生存危机,步履维艰。我临危受命,担任上海沪剧院院长,第一个戏是“众筹”的。而今,局面一点点打开,沪剧日渐繁盛,除上海沪剧院,上海还有其他几个院团也在进行沪剧演出。但我们不能放下忧患意识,虽然当下沪剧很红火,但伴随今天这一代沪剧观众老去,是否会有新一代沪剧观众成长起来?作为剧种语言的上海话、作为剧种沃土的上海地方文化特质,是否正在经受同质化冲击?这些年对地方文化特色的重视虽然有所提升,但亦不能盲目乐观。

  “我们为什么要在甲午年演出《邓世昌》?历史已经过去120年了,但今天这个戏,表达了中国人的爱国情怀,让我们震撼,感到灵魂受到了洗礼。当今时代,文艺有不可替代的作用。演这部戏,就是要告诉大家,不要忘记历史。不是为了延续仇恨,而是要尊重生命、呼唤和平。”演出结束后,上海沪剧院院长、在剧中饰演女主角的沪剧表演艺术家茅善玉说。

这些年间,光是我自己就去了6次敦煌体验生活,与樊锦诗本人也成了“忘年交”。亲身到了敦煌,似乎更能感受到沧桑岁月里敦煌人那可歌可泣的精神。这一切,为我们的作品打下了坚实的基础。主创团队感受到,正是岁月的磨砺以及西北广袤天地的锻炼,才塑造了樊锦诗坚韧而执著的性格。一次次交心沟通,一次次调整,我们越来越接近樊锦诗,越来越能融入这个人物的灵魂之中。

而今,围绕传统文化的传承与发展,社会共识度不断提升,我们对文化自信有了新的理解和追求。作为海派艺术瑰宝,沪剧不能躺在过去的功劳簿里。具有鲜明上海地域特色的沪剧,当继续以“接地气”的身姿和时代同步,以开放包容的姿态广采博纳,求新求变。

  呼应时代,观照现实,鲜明地标识了沪剧的剧种优势和特色。对于上海沪剧院来说,从《罗汉钱》到《星星之火》《芦荡火种》,从《心有泪千行》到《敦煌女儿》《邓世昌》,每一个历史的节点,都有剧目与之呼应,每一个热火朝天的生活图景,都有创作的脉动。

细究起来,《敦煌女儿》并没有多少跌宕起伏的故事、悲欢离合的纠葛。剧中的很多细节是“于小处见大处、于细微中见伟大,于平凡中见不凡”。这部戏在表演方式上也和以前的戏有所不同,利用时空穿梭的手法,营造实中有虚、虚中有实的艺术效果。我们在创作的时候希望不仅要把沪剧的味道做出来,还要增加歌唱性,让旋律更为丰富,呈现更强烈的艺术感染力。简洁质朴的舞台,灵动飘逸的飞天背景,磅礴震撼的旋律“写意”出敦煌的壮美。剧中樊锦诗这个人物的主要唱段都是我自己设计的,特别是她丈夫离开的那段,我是一边设计唱腔,一边流着泪,既要表现出夫妻间很深的情愫,又要把知识分子那种含蓄的爱表达出来。因此,我在基本调的基础上增加了许多上上下下、起起伏伏的旋律,让它像水磨调一样旋律丰富,通过这种运腔把女主人公对丈夫的情感诠释出来。

茅善玉,沪剧表演艺术家,1962年出生于上海。现任上海市戏剧家协会副主席、上海沪剧院院长,为全国宣传文化系统“四个一批”人才。曾获中国电视金鹰奖最佳女主角、中国戏剧“梅花奖”、两次白玉兰戏剧表演主角奖、中国戏曲现代戏突出贡献奖等。代表作品沪剧《红灯记》《雷雨》《罗汉钱》等。

  一条贯穿于剧院历史、贴近百姓生活的现实主义创作道路,清晰明确。

该剧念白也不同于过往沪剧的生活腔,多用韵,体现樊锦诗的学者态度,有思考,写意,不琐碎。我参考京剧韵白,形体动作也向京剧学习。在演唱中还融入了京剧的演唱方法,使整体演唱特别有力度,有张力。对我来说,这部戏是很大的挑战和考验,演得很“过瘾”。我甚至觉得,演这个人物,自己也越来越像大漠敦煌人。

  一个剧种承载一座城市

《敦煌女儿》也是对沪剧既有题材的一种丰富与扩充。在人们印象里,沪剧以表现家长里短的生活化风格见长,与《敦煌女儿》这样的题材相距较远。但新的时代,需要用新的元素来丰富沪剧题材,为剧种扩容。我们不能原地踏步,如果不向前走,剧种原有的优势很快就会失去。从《邓世昌》开始,我便一直坚持沪剧传承创新的思路,沪剧同样可以表现时代中的大题材、大洪流,反映人与时代的关系,有些题材,以小见大更有力量。沪剧本来就是跟着时代步伐走的,一直坚持求新求变,与时代同步,与城市同行,这样才能获得观众的喜爱。《敦煌女儿》就是这个时代在沪剧舞台上的反映。我们通过这部戏,抓住了时代的痕迹,展现时代灵魂。

  关注现实题材是沪剧的最大特色和优长

(作者为上海沪剧院院长、《敦煌女儿》中樊锦诗扮演者,本报记者曹玲娟采访整理)

  沪剧,素来有“上海的声音”之誉。它源于吴淞江和黄浦江两岸的田头山歌和民间俚曲,从花鼓戏、本滩再到申曲,直到1941年上海沪剧社成立,才正式改称沪剧。

《 人民日报 》( 2019年04月18日 20 版)

  上海沪剧院位于徐汇区天平路38号,同时以淮海路1889号沪剧会馆为人所熟知。院子闹中取静,面向淮海路一侧的大门古香古色,并不常开。周围是紧贴街面的小洋楼,黑色的绕花铁门、落地橱窗,处处显得精打细算。2003年,上海沪剧院搬到了这里。

  “这里是上海沪剧的先辈图。近年来,上海进行戏剧志的修撰出版,沪剧是历代传承脉络保留得比较全面的。”上海沪剧院党总支书记金雪苓指着会馆展厅里陈列的图谱说。

  新中国成立以前,沪剧专注于才子佳人题材的“西装旗袍戏”;新中国成立以后,在著名沪剧表演艺术家丁是娥等一代上海沪剧人的努力下,沪剧逐渐奠定了自己的风格。

  会馆展厅里,陈列着一幅幅老剧照,还有泛黄的剧本、曲谱和说明书。丁是娥、石筱英、解洪元、邵滨孙、筱爱琴等一大批沪剧艺术前辈的舞台形象依然流光溢彩。60余年来,上海沪剧院创作、移植、整理的剧目多达560多出,多数为革命历史题材和现实题材。

  特别是丁是娥主演的《罗汉钱》和《芦荡火种》,前者呼应时代命题,后者讲述抗日战争时期地下党和群众为掩护新四军伤病员与敌顽展开巧妙斗争的故事,后来成为京剧《沙家浜》的创作模板。一系列坚实的创作实践,有反映现实的时代潮声,有对革命历史传统的回望,为沪剧乃至戏曲的现代戏创作积累了宝贵的经验,为戏曲的现实题材创作提供了丰富案例。 

  这些创作,无不蕴涵着对历史和现实的使命感,也带着浓厚的上海地域文化特色。《星星之火》以上海五卅运动为背景,塑造了一个农村妇女杨桂英在女儿被折磨致死后,在党的教育下走上革命道路的形象。《红灯记》讲述的是地下党员李玉和与母亲为革命英勇牺牲,女儿李铁梅继承遗志,高举红灯把电台密码交给抗日游击队的故事。《一个明星的遭遇》讲述了上个世纪30年代电影明星周璇的坎坷经历,记述了党组织和新中国对她的关心与爱护。

  “沪剧是一个新剧种,时间不长,因此受到的束缚也比较少,自由度很高,因此胆子大,敢于想象,什么题材都敢演。”茅善玉告诉记者,沪剧也演传统戏,比如《杨乃武与小白菜》《阿必大回娘家》等,很有上海的地方特色,是打基础的传统剧目,但沪剧比较关注现实题材,“也可以说,这是沪剧的立命之本,是最大的特色和优长”。

  “一个剧种可以承载一座城市的历史,凝聚一个时代的风云。”中国文艺评论家协会副主席毛时安说。沪剧之于上海,就是如此。很显然,上海沪剧院很早就找到了自己的创作方向——走现实主义道路,呼应时代,关注现实,反映老百姓的生活,传达老百姓的声音。

  与时代同步发出“上海的声音”

  每一个重要的历史节点都有一部沪剧与之呼应

  “一般的,人们会以为沪剧的老传统是小儿小女小情调,但不是的,沪剧的题材比较广,表现手段也比较自由,关键是要符合人物的性格,符合时代的需要。所以沪剧的一个很重要的命题,就是要如何创新,如何与时代同步。”茅善玉说。

  在传统戏曲中,像沪剧这样紧跟时代步伐的地方戏确实罕见——

  1950年,新中国颁布实施第一部《婚姻法》。不久,根据赵树理小说《登记》改编的沪剧《罗汉钱》由上海沪剧院的前身上海人民沪剧团推出。剧目讲述了饱受旧式婚姻痛苦的农村妇女小飞娥支持女儿自主婚姻选择的故事,通过两代人不同的爱情遭遇,揭露了旧社会对妇女的残酷摧残,讴歌了新社会妇女的翻身解放。

  1958年,沪剧《战士在故乡》在上海大众剧院首演。剧目以农村合作化为背景,讲述了特等伤残军人张伟明转业回乡担任党总支书记、与反革命分子展开斗争的故事。1963年,沪剧《八连之风》表现了“南京路上好八连”的事迹;2013年,为配合党的群众路线教育实践活动,《霓虹灯下的哨兵》经过新的编排再度上演。

  1983年,沪剧《姊妹俩》描写了在改革开放新时期,当代青年对生活、理想和爱情的不同观念与追求,成功塑造了一个心地纯真、情操高尚的将军女儿形象,深受观众喜爱。在1984年举办的全国现代戏观摩演出中,该剧一举荣获导演、主演等多个一等奖。茅善玉也因此剧获得了第二届中国戏剧梅花奖。此后的《牛仔女》《风雨同龄人》等都以改革开放为广阔背景,反映了新时代不同年龄、经历的人们在时代大潮下的人生选择和价值追求。

  1993年,上海地铁1号线南段开通。1994年,由余雍和、赵化南编剧,茅善玉主演的沪剧《今日梦圆》首演,热情讴歌了地铁建设者的火热情怀和忘我精神,生动反映了改革开放以来上海城市风貌的巨大变化。1995年,该剧获得了1994年度的“五个一工程”奖。

  2001年,在世界禁毒日到来之际,反映禁毒主题的沪剧《心有泪千行》在上海天蟾逸夫舞台演出。此后每年6月世界禁毒日到来时,上海沪剧院都会推出该剧,至今已演出1000多场。茅善玉告诉记者,联合国前秘书长安南曾经给上海沪剧院写过一封信,信中说,中国我了解,上海我也了解,但沪剧什么样子,我并不了解。没想到上海有这么一个剧团,长年累月地坚持宣传禁毒、反毒,让我十分敬佩。希望你们能够坚持,因为这是一个全人类的主题。

  2010年,上海世博会举办。1915年曾参加过巴拿马世博会的上海顾绣被纳入沪剧人的视野,随后上海沪剧院推出了反映顾绣文化的沪剧《露香女》。该剧以在巴拿马万国博览会获得金奖的上海松江地区顾绣艺人的艺术追求和爱情故事为切入口,以上海本土的戏曲艺术,演绎发生在上海的故事,紧扣世博会主题,展示了上海近百年前的风情、风貌。

  2011年,正值辛亥革命百年,上海沪剧院推出了同类题材剧目《董梅卿》。2013年,以扎根敦煌50年的敦煌研究院院长樊锦诗为原型创作的大型现代沪剧《敦煌女儿》在上海天蟾逸夫舞台公演,讲述了一代知识分子保护、研究和弘扬敦煌文化的感人故事。

  “沪剧回娘家”薪火相传

  广阔而火热的社会生活为沪剧提供了不竭的艺术源泉

  由于京剧固有的表演程式,《芦荡火种》被搬上京剧舞台后,一些京剧演员开始不知道怎么演。2013年,京剧表演艺术家赵燕侠跟茅善玉说到这件事时,十分感慨。茅善玉回忆说:“当时她跟我说,开始演阿庆嫂时,她根本没当一回事,觉得京剧是老大哥,但是排下来时,她找不到感觉,找不到人物,不知道阿庆嫂是怎么生活、怎么跟人讲话的。后来有人跟她说,你应该去看一看丁是娥的阿庆嫂,你向她去学。于是她便看了丁是娥的《芦荡火种》,看完后她折服了,说这就是阿庆嫂。为什么?因为丁是娥有生活,她是来源于生活的。”

  来源于生活,深深地扎根生活,正是沪剧创作不断取得丰收、获得成功的重要经验。《芦荡火种》源于江苏常熟的一封来信,信上说抗战时期当地有群众救助了新四军伤病员。艺术家们当即赶赴当地采风,随后创作了这部作品。《鸡毛飞上天》则取材于发生在上海的真实故事,讲的是上个世纪60年代,一位妇女林佩芬发现在很多家庭里,大人工作特别忙,孩子没人管,觉得应该走出家庭,负起责来,于是办了民办小学。为了演好《巧遇记》中的三轮车夫,沪剧表演艺术家邵滨孙与一位劳模结成了很好的朋友,向他学习如何蹬三轮车、如何戴草帽。

  上海郊区的田间地头、工厂学校,是沪剧的大后方,也被沪剧人称之为“娘家”。从1982年到1992年,在老院长丁是娥的倡导下,上海沪剧院持续开展了10届“沪剧回娘家”活动,老中青演员一起参加演出,一个都不能少。白天分成小分队,到群众中间去唱,辅导沪剧爱好者;晚上就演沪剧大戏,专演老百姓爱听的。茅善玉回忆,1992年,丁是娥已经患上了癌症,寒冬腊月,依然坚持“回娘家”,一路捂着热水袋,到了演出现场,一扔热水袋便又上场了。回到市区,已是半夜,“她那摇摇欲坠的背影,我至今记得”。

  2013年,借建院60周年的契机,上海沪剧院宣布,恢复开展“沪剧回娘家”活动。送戏下乡、进校园,推进沪剧传承,培育新的观众——近年来,上海沪剧院始终是市属国有院团中每年超额完成下乡演出指标最多的院团。12月16日晚,茅善玉才刚刚参加了虹口区提篮桥街道举办的群众文艺演出活动,并在其中演唱了沪剧《敦煌女儿》中那首脍炙人口的《守望理想》。实际上,包括《敦煌女儿》《邓世昌》等剧目,也是主创们深入生活的成果。

  为了创作《敦煌女儿》,茅善玉和她的团队先后于2011年、2012年两次来到敦煌,采访故事的原型樊锦诗。第一次到达那里,就遇到了沙尘暴。编剧李颖还专门在那里住了几个月,跟樊锦诗一起生活,一起工作。她说:“樊院长是一个典型的上海知识女性,人很娇小,说话声音也不高。到了那里,看到满目的荒凉冷清,加上不时来袭的沙尘暴,真的很难想象,她一个出生于江南的女子,能够在那里一扎根就是50年。她平时说话不多,但一说起敦煌,对着书册一页一页地给我讲解,那种虔诚、热忱,让我肃然起敬。”

  为了创作《邓世昌》,编剧蒋东敏专门去了一趟刘公岛,了解当年北洋水师驻泊地的情况,追忆那段历史。为了排演这部戏,今年夏天,上海沪剧院还组织该剧主创一行30余人到上海水警区某部,与战士们同吃同住,接受严格的包括队列、打绳结、游泳、损管等科目训练。

  前进的路上回头看一看

  创新机制,建设梯队,坚定现实主义的创作方向

  在最鼎盛的时期,上海沪剧院300多人,光编剧就有16人,并有导演10人,作曲8人。除了深入生活,和艺术家自身的敏感,这无疑给他们对现实生活迅速做出反应提供了助力。上个世纪90年代以来,随着大环境的变化,戏曲在走下坡路,沪剧也不例外。

  茅善玉一度曾为此焦虑不已:“年轻人不愿意来,人才队伍逐渐萎缩。沪剧永远在创新,如果没有年轻演员带来新的演剧方式,就很难带动年轻的观众。”上海沪剧院曾派人到各区县去选招人才,有的地方学校里有沪剧兴趣班,有的地方没有,就常常吃闭门羹。为了培养、引进和储备人才,经过向有关方面争取,茅善玉获得了免学费招生的机会,并获许可以异地招生。为解决学生的后顾之忧,茅善玉更大胆地实行了“定向培养,照单全收”的做法。

  对于此举,有人曾表示不解,因为演员的培养过程中,可变因素太多,最后并非人人都能成才。茅善玉说:“没关系,你唱得不行了,我可以进行内部调配,表演不行,还可以去学作曲,包括场记、剧务,我们都是要有的。”一个原本学表演的演员,后来个子没长起来,上海沪剧院把他调配去学作曲,因为有表演的底子,如今在配器和唱腔设计上已担起了重任。

  2006年起,上海沪剧院与上海戏剧学院附属戏曲学校先后联合招收了两届近60位沪剧表演班学生,并于2011年在首批毕业学生基础上成立了上海沪剧院青年团。几年来,青年团排演了《胡锦初借妻》《大雷雨》《陆雅臣卖娘子》《庵堂相会》《红灯记》《魂断蓝桥》等大量的全本传统和新编大戏。1995年出生的洪豆豆,被人昵称为“小四凤”,并摘得上海白玉兰戏剧表演新人配角奖。如今,上海沪剧院不仅有了60后、70后、80后、90后几个梯队的演员队伍,而且也有了不弱的编剧和作曲阵容,为沪剧的创新发展打下了坚实基础。

  新移民的涌入,流动人口的增加,普通话的推广,让沪剧赖以生存的上海方言土壤逐渐流失。除了培养、引进、储备人才,上海沪剧院还自觉承担起了传承、推广上海方言和地域文化的责任。在仅160平方米的沪剧会馆展厅一侧,墙上还挂着“沪语训练营”的条幅。从今年6月开始的训练营活动,目的就是要通过强化训练,传承和推广上海方言。

  当许多传统戏曲面临着继承与创新的困惑之时,一直与时代同步的沪剧并没有太多压力。茅善玉坦言,因为剧种新,反而是在方向的选择上有过迷茫,不知道怎么凝实、彰显自己的剧种特色。好在经过几代人的发展,沪剧已经形成了自己的风格,走出了一条有沪剧特色的现实主义发展道路。她说:“跟写意的、虚拟化的京昆相比,我们更加真实自然。比如演一位贵夫人,手拿着扇子,她要坐下来,一定是手一撩旗袍,然后坐下来。坐姿是拿手绢或扇子,是有舞台腔的,它不是生活,而是源于生活又高于生活,是个性化的动作。”

  茅善玉告诉记者,不管怎么样,传统的戏需要学,是基本功,要了解,演的时候,让导演来修饰,去掉一些旧的、糟粕的东西;另外一条就是关注当下,创作新戏,走出新意和新路。她说:“前进的路上要有反思,要回头看一看。对于我们青年团来说,6部大戏排好了,要回头看,我们明年给他们定的任务,就是传承、学习。老师们都六七十岁了,所以要他们停下来学习,所有流派都要学习,从运腔技巧到艺术理论、戏剧史再到职业道德教育等。”

  在沪剧的传承发展过程中,上海沪剧院始终用自己坚实的创作实践,积淀起紧跟时代的现实主义传统。未来,路在脚下。

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